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viernes, 30 de mayo de 2014

Montserrat Gudiol, reflexión de la figura humana.




Artista que hace de la figura humana el centro absoluto de su reflexión, aparece en un primer momento influenciada por el trecento italiano, con Giotto como referente en su exquisita linealidad, su manera de entender el color y su búsqueda de un espacio más espiritual que físico.


























Montserrat Gudiol i Corominas (Nace en Barcelona el 9 de Junio de 1933) es una pintora española, hija del historiador del arte y arquitecto Josep Gudiol i Ricart. 

Comienza sus estudios de arte de modo autodidacta. Se formó en el estudio de restauración de pintura medieval de su familia, y en 1950 se dedicó a la pintura sobre tabla y sobre papel. 

en 1951 trabaja unos meses en el taller del pintor Ramón Rogent. Es en la década de los cincuenta cuando completa su formación realizando viajes por Inglaterra, Francia, Suiza e Italia. 

Su obra muestra un gusto por la fantasía, en donde el color y las figuras se funden en un mundo de misterio, dominado por personajes deshilachados, ciegos, y con escenas de maternidad, influida por los temas del surrealismo y las formas de Pablo Picasso en sus épocas azul y rosa. Su pintura muestra interioridad y tristeza. 

1962 es el momento en el que empieza a profesionalizarse en la pintura y momento en el que establece definitivamente algunos rasgos que van a ser característico de toda su obra -para J.E.Cirlot-, estos rasgos son, las cabelleras despeinadas de los personajes, las manos de gran elegancia y dedos largos y los ojos que casi siempre muestran un rechazo de lo que ven. 

En 1966 realiza sus primeros grabados al aguafuerte y en 1972 sus primeras litografías y ha realizado exposiciones en Barcelona, Ripoll, Málaga, Sevilla, Bilbao, Suráfrica, Estados Unidos, la antigua Unión Soviética y Canadá. Ha sido primer premio internacional de dibujo Fundación Ynglada Guillot, de Barcelona. Tiene obra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), en Madrid, Bilbao, Johannesburgo, Flint, Montreal, etc. 

En 1980 realizó un monumental San Benito para la abadía de Montserrat y en 1981 fue la primera mujer que ingresó en la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jordi. 

En 1998 recibió la Cruz de San Jorge que otorga la Generalidad de Cataluña.





 Sitio de la artista  http://montserratgudiol.com/






viernes, 23 de mayo de 2014

Viktor Sheleg, la chic sensualidad femenina.





Su pintura cautiva desde primera vista. Es sensual, atractiva y muy llamativa, pero tiene algo más. Parece capturar los pensamientos y la interior belleza sensual  de sus modelos.

Sus lienzos parecen hablar, sus modelos parecen comunicarte algo con la mirada. Realmente es sorprendente. Su pintura no conoce limites, es inclusive y libre. Utiliza collage, pintura derramada y diluida, colores básicos encendidos, en fin, todo lo que al pintor sirva para expresarse, utilizando el color negro como eje para contrastar con colores básicos, pero siempre, con la constante de una atmósfera chic, refinada y de un femenino erotismo.

Viktor Sheleg nació en 1962 en Lomonosov, cerca de Leningrado, en Rusia.
Su familia emigró a Latvia cuando tenía tres años. Viktor pinta desde su primera infancia, pero de manera constante desde los doce años. Autodidacta e inspirado en su perspectiva personal. Sheleg ha desarrollado un estilo propio y estético. Su juventud se desarrolló en una población aislada del resto del mundo y conocida por su clima de conformismo, eso acentúa su autenticidad. Le ha hecho ganar una sólida reputación como artista independiente. El pintor dice que su trabajo es inspirado por el caos y que su pintura es guiada por las emociones y energía. Me gustaría saber que define como caos, que circunstancias, su perspectiva sería muy interesante.






Sus pinturas tienen la cualidad de tener personalidad, cada una de ellas, y eso te hace no cansarte de ver una tras otra.



Utiliza collage, pintura derramada y diluida, colores básicos encendidos, todo lo que al pintor sirva para expresarse, utilizando el color negro como eje para contrastar con colores básicos, pero siempre, con la constante de una atmósfera chic, refinada y de un femenino erótico sublime.























Aqui el slide-foto de sus pinturas.





Una de sus pinturas retrata un tenista justo en un momento de acción: su gesto y mirada, reflejan la concentración de ese momento, es asombrosa.






Sitio del artista http://www.sheleg-gallery.com

lunes, 21 de abril de 2014

Preston Jackson: Escultor, pintor, guitarrista, maestro y por encima de todo...una persona maravillosa.




Preston Jackson desde muy temprana edad, se hizo artista y contador de historias. Su arte expresa esa necesidad de entregar información, de quienes somos, de donde venimos y hacia donde vamos. Todo esto, bajo la perspectiva americana y sobre todo, de sus raíces afroamericanas. Su obra es narrativa y enfatiza, relatando personalidades del pasado y sus detalles.

Prolífico, creativo y con una sorprendente versatilidad; pasa de la escultura a la pintura, utilizando una variedad de materiales y todos ellos, manipulados con bastante maestría. En la escultura predomina el manejo del bronce, pero también utiliza metales ferrosos, acero y acero inoxidable.

Preston proviene de una familia de diez hermanos. Creció en una pequena ciudad de Decatur Illinois, sin embargo su persona altruista y su arte, han traspasado y son parte importante del arte americano.

Indagando sobre él, de muchos artículos, encontré uno con alma, con fotografías y palabras, que  le refieren mejor. El artículo fue realizado por Joyti Srivastava, quien desarrolla con pasión y especialización documentar arte público, especialmente de Chicago. Su trabajo va más allá de publicar fotografías; conoce a los artistas, visita su estudio y observa su arte. Nos telegrafía en sus blogs y sitios, el gusto por éstas expresiones artisticas.

Me puse en contacto con ella y con gusto nos permitió transcribir su artículo y fotografías sobre Preston Jackson.

    PRESTON JACKSON: ESCULTOR, PINTOR, GUITARRISTA, MAESTRO, Y POR ENCIMA DE TODO...UNA PERSONA MARAVILLOSA.

por Joyti Srivastava


Algunos días resultan ser mejor de lo que uno espera. Allí estaba yo, en el estudio de Preston Jackson, rodeada de sus notables esculturas de bronce y sus pinturas, tomando fotografías de lo que siempre había deseado, y ahí estaba Preston Jackson, sentado en su sofá, tocando la guitarra, con las notas más melodiosas que jamás había escuchado. !Creanme, jamás habia imaginado este día!



Entonces, mi conversación con él, fue mucho más significante que ésta puesta a punto. Pronto, me di cuenta que el dia era mucho más consecuente, que solo una sesión fotográfica de su obra, cuando él habló acerca de su arte y para mi sorpresa, dijo: Muchas personas gustan de mi trabajo, pero pocas lo entienden... Y luego pasó a elaborar como su arte és, acerca de lo que ve...Muchas de sus obras están relacionadas con asuntos de la mujer, y como el siente, que las mujeres en nuestra sociedad a menudo son vestidas y preparadas para agradar al hombre y como a menudo, las mujeres lo hacen.

El habló también de las póliticas en el arte y de como pueden matar al "artista" en una persona.

Sus propias luchas y decepciones al ser llamado un "extranjero", al mundo del arte.

Preston me aconsejó cubrir más artículos de mujeres escultoras de Chicago.




Curiosamente, Preston recaba mug-shots (fotografías de ficha de los presos) y con frecuencia los pinta, dando vida, a sus vidas.


Preston en su estudio
Despues de visitar su estudio, volví a encontrarme con él, pero ésta vez, en la escuela del Instituto de Arte de Chicago, donde ha estado enseñanado durante los últimos veinte años. Hablé con sus estudiantes y tengo que decir, que lo aman.


Preston Jackson trabajando en su escultura CakeWalkers, con sus estudiantes Jason Hawk Y Erick Gushee.
---Cake Walkers, es una especie de marcha o paseo, con parejas danzantes, donde los pasos más excéntricos o intrigantes son premiados con un pastel.



Ahora me gustaría ir a su estudio en BartonVille, en el cual, esta trabajando en su último proyecto "Save our Planet", (Salvar nuestro Planeta), y me enseño un sketch de su trabajo.


Un tiempo despues....
Viajé a Peoria, para ver el último trabajo de Preston, cuyo proyecto, tuve la fortuna de ver el sketch con anterioridad. La escultura de una ballena, con el tema "Save our planet". He visto a Preston algunas veces, y siempre me he preguntado...¿Cual será su principal interés: pintura, escultura, o música? Y cada una de éstas he llegado a la conclusión, que totalmente las tres formas de de arte desempeñan un papel dominante en la definición y comprensión de Preston. Y si pudiera añadirle a la misma frase: cada vez que me reuno con él, me pide que escriba más, acerca de las mujeres escultoras. 


Aunque Preston, viene con frecuencia a Chicago, ya que es Profesor Emérito del Instituto de Arte de Chicago, (SAIC) donde enseña escultura figurativa, Peroria es su ciudad base. Peoria tiene muchas instalaciones esculturales al exterior de la autoría de Preston y me llevó alrededor de la ciudad para un tour de esculturas.


Knockin on freedoms door http://chicago-outdoor-sculptures.blogspot.mx/2011/01/peoria-knockin-on-freedoms-door-by.html

Flight of the cake walkers
Outside History  http://chicago-outdoor-sculptures.blogspot.mx/2011/01/peoria-illinois-river-gallery-outside.html


                              

La pinturas de Preston Jackson son extremadamente detalladas y cada rincón, esta lleno de simbolismo, metáforas y emblemas. 



Algunos hechos interesantes sobre Preston: 

- Con frecuencia encontraras cuervos en su obra, lo que él llama: su espíritu .. 
- Siempre lleva un medallón que significa "larga vida" .. 
- Ha sido un profesional de Artes Marciales por mucho tiempo  .. 
- A pesar de que sus obras tienen temas afro-americanos dominantes, está muy influenciado por la cultura oriental, y con frecuencia, habla de la India.. 
- Él está muy a gusto con la generación más joven, entiende su manierismo, moda, estilo y facilmente  los dirige a su arte.

Enlaces relacionados: 
ted Links..

Fotografías y textos , tienen derechos reservados de Joyti Srivastava, no se permite su copia y utilización.


..PINTURA Y ESCULTURA DE PRESTON JACKSON



domingo, 13 de abril de 2014

El hombre al desnudo






Esta exposición, compuesta por piezas provenientes de colecciones nacionales e internacionales, presenta y reflexiona sobre el tema del desnudo masculino a lo largo de más de dos siglos. La muestra es resultado del gran esfuerzo realizado entre el Museo Nacional de Arte y el Museo d’Orsay en Francia, que ha prestado piezas de su acervo. El proyecto brinda la oportunidad de acercar al público al desarrollo histórico del desnudo como tema del arte, desde la consolidación del canon clásico hasta la subversión de las ideas estéticas en el siglo XX.


Masculin / Masculin - La vidéo por musee-orsay

Desde hace unos años el estudio del desnudo del hombre en las artes ha cobrado fuerza. El Museo Nacional de Arte se suma a estas revisiones e incluye, bajo la curaduría de Agustín Arteaga, a más de un centenar de obras de artistas nacionales cuyas obras pertenecen principalmente a importantes colecciones del Instituto Nacional de Bellas Artes, su objetivo es mostrar la concepción del cuerpo masculino en el imaginario mexicano.

Tovar y Teresa en la inauguración del exposición



Henri Camille Danger (1857-1939)
¡Calamidad! (Fléau!), 1901
Óleo sobre tela, 180 × 144.5 cm
París, Musée d'Orsay



Ángel Zárraga (1886-1946)
Ex Voto (San Sebastián), 1910
Óleo sobre tela, 185.0 × 134.5 cm
México D.F., Museo Nacional de Arte, Instituto Nacional de Bellas Artes

miércoles, 12 de junio de 2013

El jardín de las delicias.


                                 El jardín de las delicias . Hyeronumus Bosch "EL BOSCO" (1480 dc)

Es una serie de pinturas plasmadas en un tríptico. Desde la creación de la tierra, la vida humana, los animales, hasta la descomposición de la misma; utilizando los paneles de un tríptico en forma cíclica: Desde la creación de la tierra, el edén, suponiendo pasar a la transformación del hombre por la extrema lujuria, hasta su decadencia, terminando en el cruel infierno.

Cerrado el tríptico en su parte exterior, alude al tercer día de la creación,

La imagen es de un globo terráqueo cubierto por una capa transparente, con la intensión de transmitir fragilidad recubre un mundo sin animales, sin humanos, solamente, minerales y plantas. Los colores blanco y negro parecen anteceder a la diversidad esplendorosa de la aparición de la vida, el edén, provocada por los colores en el panel izquierdo del interior del tríptico. Además, percibe un  mundo esférico, una visión adelantada para la época.



Al abrir el tríptico, en el primer panel de izquierda a derecha, muestra el paraíso en el último día de la creación: Adán y Eva en primer plano. En la tabla central, se muestra lo más interesante, y se supone que es la locura desatada por la lujuria: Hombres y mujeres danzando en una ceremonia disparatada para nuestra época, pero que en esos tiempos cercanos a comportamientos y costumbres del mundo primitivo, parecen provocar una intoxicación surrealista de algarabía e intensidad, y tal vez de un psicotrópico, auspiciando una diversidad de figuras disparatadas.
El cuadro dibuja el goce animal del hombre, acompañando rituales atándoles a la tierra, de pertenencia a la naturaleza. Se podría pensar juzgando sin verdaderas referencias, que plasma la descomposición de la humanidad en un proceso de decadencia.




Termina con una imagen en el tercer panel considerado el infierno. Un destino cruel y obscuro, al que el ser humano, es condenado por sus pecados.  



Por otra parte, todos esos conceptos están encadenados a la percepción común y acostumbrada de religión y culpas de la época.

Sin embargo, los motivos pudieron ser diferentes. El periodista español, Javier Sierra, expone una teoría contraria al motivo conocido, además de lógica. Hyeronumos Bosch, según lo expuesto por Sierra, era miembro de una secta adamista, la practicaba. El adamismo es una doctrina herética surgida en el siglo II en el norte de África y pretendía mediante la práctica del nudismo y convivir así con la naturaleza, retornar a la inocencia originaria del Edén, descrita en el Génesis. Su doctrina defendía, además de la absoluta desnudez, una estricta abstinencia sexual y el rechazo al matrimonio; los consideraba una consecuencia del pecado original. El movimiento original desaparece en el siglo IV, para volver a surgir en el siglo XIII en Austria, Bohemia y Flandes, donde se mantuvo hasta finales del siglo XV cuando las persecuciones lo hicieron desaparecer. 
 
Lo que sugiere e indica, que el motivo del cuadro es completamente contrario a lo que se tiene  acostumbrado. Hyeronumus Bosch probablemente engañó al mundo con la intención de denunciar los horrores de su época: la época obscura del medievo y sus prácticas decadentes. La inquisición de Felipe II en Flandes se podría representar en el cuadro del infierno, esa bera la época de Hyeronumus Boech "Bosco", y para salvarla, pretendía por medio de la práctica nudista del adamismo, tener contacto con la naturaleza en hermandad, en el sexo hay versiones contradictorias, aunque la actitud de los personajes plasmados parece más apego a la naturaleza, que practicar el amor libre o una perversión. Algo muy interesante era su rechazo al matrimonio.  
 
Se pretendía que con esas prácticas se provocara retornar a la inocencia originaria del edén, descrita en el Génesis, como salvación.

   
Ver el cuadro cautiva, pero observarle a detalle es maravilloso.

Una pintura que se lee y obliga a la máxima concentración. Invita a un minuciososo recorrido de todos los eventos plasmados en la madera del tríptico. 
CUADRO CON LUPA,  DE LA COLECCIÓN DE CANTOS DE CARL ORFF.
 




Wikipedia El Bosco

Wikepedia Carl Orff

Wikipedia  Adamismo

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